En este texto y video hablaremos de cómo existen diversas tradiciones de mezcla, en donde es común situar ciertos instrumentos en puntos específicos de izquierda a derecha. También hablaremos de cómo podemos crear tensión y diferentes tipos de mezcla usando la panorámica.

Nuevamente, me gustaría comenzar mencionando que lo que se hablará en este texto/video no representa una serie de reglas que debemos de seguir al pie de la letra. Nosotros podemos ajustar la panorámica como creamos más conveniente, sin embargo, es útil conocer qué es lo que se ha hecho comúnmente en muchas mezclas a lo largo de la historia de la industria musical.

Sin más preámbulo, comencemos este texto analizando cómo se ajusta comúnmente la panorámica del bombo de la batería.

Bombo.

Es muy común que el bombo casi siempre sea colocado en el centro.

El autor David Gibson considera que algunas de las razones por las que puede que se coloque el bombo en el centro son las siguientes:

Al ser el bombo un sonido con mucha energía y frecuencias graves, tiende a tener un mejor sonido cuando se reproduce por ambas bocinas. Si, por ejemplo lo ubicaramos hacia la izquierda, la bocina izquierda tendría que trabajar mucho para poder reproducir el sonido, al ubicarlo en el centro, las dos bocinas reproducen el sonido y de esta forma trabajan menos, mejorando la calidad del audio.

Otro motivo que nos menciona el autor, es porque en un kit de batería real, el bombo también se encuentra en el centro. Y de igual forma, generalmente los sonidos muy graves, como el bombo y el bajo, son instrumentos que se sienten muy grandes en la mezcla, tienen mucha energía, demandan mucha atención y por tanto siempre son colocados en el centro, para crear una sensación de estabilidad.

En el caso de que se tenga un doble bombo, Gibson menciona que algunas personas suelen situar un bombo ligeramente hacia la izquierda y el otro ligeramente hacia la derecha. Algunos otros, suelen dejar el primer bombo en el centro y solamente situar el segundo ligeramente hacia un lado.

No es común situar los dos bombos completamente a la izquierda y a la derecha, pero podría ser un recurso creativo interesante.

Tarola.

Nuevamente es muy común que la tarola se sitúe en el centro. Algunas personas suelen situarla un poco hacia un lado, ya que en un kit de batería real, la tarola se sitúa de esta forma.

Hi-hat.

El hi-hat, suele situarse hacia la izquierda, a la mitad del recorrido. En Waveform sería algo así como -0.50.

Con este tema surge una cuestión, y es si debemos ubicar el hi-hat desde la perspectiva del baterista o desde la perspectiva de la audiencia. Gibson nos comenta que es muy común que los productores sitúen el hi-hat a la izquierda, como desde la perspectiva del baterista, pero aquellos que trabajan con audio en vivo, puede que sitúen la mezcla de la batería desde la perspectiva de la audiencia, con el hi-hat a la derecha.

Estas decisiones son cuestión de gustos, pero debemos de tener claro qué es lo que queremos, ya que quizás los músicos para los que estemos mezclando, busquen una de las dos opciones específicamente.

Toms.

Estos suelen situarse de izquierda a derecha completamente, si mezclamos desde la perspectiva del baterista, situaríamos el tom de piso a la derecha, y si mezclamos desde la perspectiva de la audiencia lo situaríamos a la izquierda.

Gibson menciona que en algunos casos, se suele situar el tom de piso en el centro, por las mismas razones por las que situamos el bombo en el centro, porque tendría mejor calidad el sonido y porque es un sonido muy grave que demanda mucha atención y se siente muy grande en la mezcla.

Los overheads, suelen situarse completamente a la izquierda y a la derecha.

Bajo.

El bajo como el bombo, al ser un sonido muy grave, grande, poderoso y enérgico, suele situarse en el centro. Gibson menciona que en algunos tipos de jazz y otros estilos de música similares donde el bajo puede tener un papel principal, suele hacerse el sonido un poco más agudo con la ayuda de la ecualización, y de esta forma es más común poder situarlo a la izquierda o a la derecha, ya que así no se siente la mezcla tan desbalanceada.

Piano y teclados.

Gibson menciona que es común que el piano se grabe en estéreo, es decir con dos micrófonos, uno que capte las notas graves y otro que capte las notas agudas. El registro grave del piano suele situarse a la izquierda y el registro agudo suele situarse a la derecha, como desde la perspectiva del pianista.

También menciona que la panorámica debe ajustarse completamente hacia la izquierda y hacia la derecha sin embargo, otros autores como Zager, mencionan que al ajustar la panorámica del piano completamente hacia la izquierda y completamente hacia la derecha, el resultado es un sonido de piano muy poco realista. Por lo que él recomienda no situar el paneo completamente hacia la izquierda y la derecha, sino más bien tratar de hallar los puntos intermedios en donde suene de manera más natural.

En algunas mezclas muy saturadas el piano suele mezclarse en mono, y situarse en algún punto específico.

Voz.

Lo más común casi siempre es situar la voz principal en el centro, y las armonías vocales o voces secundarias, paneadas a la izquierda y a la derecha.

Si solamente se tiene una voz secundaria, lo más común, es grabar dos veces esta misma voz para poder hacerla estéreo y poder situarla a la izquierda y a la derecha. También se puede convertir esta voz individual en estéreo utilizando algunas técnicas de producción.

Si se tienen varias voces secundarias, lo común es distribuirlas todas de izquierda a derecha.

Gibson menciona que es tan común situar una voz principal en el centro que cuando esta se sitúa a la izquierda o a la derecha, se siente muy diferente la mezcla y esto puede incluso causar tensión.

Los Beatles en algunas de las mezclas de sus canciones, solían situar las voces en una bocina, y el resto de la banda en otra. Estas fueron de las primeras mezclas estéreo, pero en las mezclas más actuales no es muy común escuchar algo así.

El autor también menciona que esto podría usarse de una forma creativa. Si por ejemplo, la canción que estamos mezclando habla de la soledad, quizás podría funcionar situar la voz completamente sola en una bocina, y el resto de la música en la otra. O también podría funcionar en una canción que hable de la poca estabilidad de algo. Pero la mezcla siempre debe estar en consonancia con lo que quiere expresar la música.

Guitarras.

Las guitarras suelen situarse de diferentes maneras. En algunos casos como podría ser con las guitarras acústicas que estén haciendo rasgueos de los acordes, la guitarra suele grabarse dos veces, y colocar estas grabaciones completamente o muy paneadas a la izquierda y a la derecha.

En algunas bandas de Heavy Metal, es muy común que cada guitarra esté haciendo cosas distintas, a veces la guitarra principal hace una melodía y la guitarra secundaria armoniza esta melodía. En este caso, también es común que se sitúe una guitarra completamente o casi completamente a la izquierda y la otra a la derecha. Un ejemplo de música donde ocurre esto frecuentemente podría ser la banda Iron Maiden.

En algunos casos también suele utilizarse una sola guitarra en mono y ser situada en algún punto específico a la izquierda o derecha, esto es más común cuando la guitarra está ejecutando una figura rítmica con valores de notas más cortos.

Cuerdas y Metales.

Las cuerdas y metales casi siempre suelen situarse completamente de izquierda a derecha.

Zager menciona que en el caso de las cuerdas, estas son usualmente situadas como estarían distribuidas en un escenario real.

Los violines hacia la izquierda, las violas ligeramente a la derecha, los violonchelos más a la derecha y los contrabajos totalmente a la derecha.

En algunos estilos musicales como son la música big band, y la música orquestal, los instrumentos también suelen colocarse como estarían situados en un escenario real de izquierda a derecha. Así para la música orquestal, lo más común es panear los instrumentos como estarían distribuidos en la orquesta.

En el video podemos observar una representación de la distribución de los instrumentos orquestales con un software gratuito llamado BBC Symphonic Orchestra. En este podemos observar muy bien la distribución de las cuerdas, como estarían en una orquesta real, sin embargo, este software no muestra una buena representación de la ubicación de los metales, ya que estos deberían estar justo detrás de la sección de alientos madera. 

Gibson menciona que a él le parece que tendría más sentido, panear los instrumentos más graves como el contrabajo, en el centro, para darle mayor estabilidad a la mezcla y por las mismas razones que situamos el bombo y el bajo en el centro.

Ahora que vimos la panorámica de instrumentos individuales, pasemos a la panorámica de la mezcla en general.

Gibson menciona que podemos crear dos tipos de mezclas con la panorámica.

Mezclas simétricas y mezclas asimétricas.

Las mezclas simétricas buscan la mayor estabilidad posible. Gibson menciona que las mezclas simétricas comúnmente también buscan simetría en las frecuencias. Es decir, que si por ejemplo, tenemos un hi-hat a la izquierda, podemos balancearlo con un sonido agudo a la derecha.

Si tenemos una guitarra en las frecuencias medias a la izquierda, podemos balancearla con un instrumento en las frecuencias medias a la derecha.

Generalmente una mezcla simétrica no se siente mucho, y permite que la música sea la que destaque más.

Las mezclas asimétricas están desbalanceadas. Como por ejemplo si ubicaramos las voces en una bocina y el resto de la banda en otra. O ubicaramos la batería en una bocina, y el resto de la música en otra. Las mezclas asimétricas rompen con todo lo que es usualmente común en la panorámica. Al no ser mezclas ordinarias, tienden a crear algo de tensión y son mezclas que se sienten mucho y no pasan desapercibidas para el oyente. Destacan tanto como si fueran otro instrumento en la canción.

Pueden ser mezclas muy útiles siempre que sean apropiadas para el estilo de la música o para lo que quiere transmitir la canción.

Usualmente es más común utilizar mezclas simétricas para canciones que hablen de temas que buscan cierto tipo de estabilidad como podrían ser canciones de amor.

De esta forma podemos transmitir diferentes emociones a la audiencia, tan sólo modificando la panorámica.

Usualmente la panorámica es usada para distribuir los sonidos y darle a cada uno su propio espacio, para así crear mayor claridad, pero este no siempre es el caso.

Algunas mezclas no buscan claridad, algunas mezclas buscan grandeza, por lo que en algunos estilos musicales, se suelen situar diversos instrumentos en el mismo sitio, para que se superpongan, se combinen y generen un sonido más complejo y más grande, lo que Gibson denomina como "Wall of Sound".

Por último, con la panorámica podemos situar los instrumentos muy alejados entre ellos, o muy cercanos, mientras más alejados estén, la mezcla se sentirá más clara, pero también se sentirá un poco más dispersa y habrá menor cohesión entre los instrumentos. Al acercar los instrumentos entre ellos la claridad disminuirá, pero se sentirá una mayor cohesión entre los mismos.

Con esto concluimos este tema. En el siguiente texto/video comenzaremos con el primer tema de la ecualización, el cual es la frecuencia y el espectro de frecuencias. Muchas gracias por ver y hasta la próxima.

Fuentes:

Gibson, D. (2005). The Art of Mixing (2a ed.). Cengage Learning.

Zager, M. (2012). Music Production: For producers, composers, arrangers, and students (2a ed.). Lanham : Scarecrow Press.